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0 L'histoire du piano à travers les époques ...
Jusqu'au 18e siècle, le piano tel qu'il est connu actuellement n'existait pas. Le clavecin, l'orgue ou le clavicorde régnaient en maître sur le monde des claviers. Il s'agit donc d'un instrument relativement récent, contrairement à la guitare qui s'enorgueillit d’ancêtres moyenâgeux. Fortement liée à l'évolution de la musique et aux besoins des compositeurs, l'apparition du piano-forte s'impose petit à petit dans le monde occidental comme un instrument de prestige. Ce n'est qu'à force de perfectionnement qu'il deviendra l'équivalent du piano moderne.Les différences mécaniques entre le piano-forte et ses contemporainsAvant l'avènement du piano-forte au 18e siècle, plusieurs instruments munis de claviers coexistaient, notamment :Le clavecinLe clavicordeL'orgueL'harmoniumL'épinetteLe clavecin connut son heure de gloire avec la musique baroque au 17e siècle. Contrairement au piano, ses cordes ne sont pas frappées, mais pincées. En résulte l'incapacité de faire varier l'intensité du son (lorsque le musicien appuie sur la touche, la note sonne toujours avec le même volume). L'épinette diffère peu du clavecin, si ce n'est concernant la position des cordes par rapport au clavier. Ces deux instruments interviennent aujourd'hui principalement pour reconstituer les musiques d'époque. L'orgue, de la même façon, produit des notes d’intensité identique. En revanche, c'est un instrument à vent, qui s'appuie sur l'utilisation de soufflets pour permettre au son d'exister. La majorité des grandes églises en sont pourvues, les modèles les plus impressionnants atteignant jusqu'à 7,50 mètres de hauteur. Le clavicorde se rapproche mécaniquement du piano moderne. C'était un instrument propice à l'étude, mais il manquait trop de puissance pour pouvoir servir dans les concerts et tomba en désuétude après l'arrivée du piano-forte. En ce qui concerne l'harmonium, un clavier particulier, le musicien module l'arrivée d'air, un peu comme sur un accordéon. La sonorité reste cependant très différente de celle d'un piano. Le piano-forte, un précurseur du piano moderneLes aspirants à devenir pianiste du 18e siècle prenaient des leçons à leur domicile, ou plus fréquemment chez le professeur pour ceux qui ne pouvaient pas se payer un instrument. À cette époque, le piano-forte fait son apparition en réponse aux demandes formulées envers les facteurs de clavecins, c'est-à-dire les professionnels qui créent et entretiennent ces instruments. Les claviéristes souhaitent trouver une plus grande expressivité dans les sonorités, et surtout, ils veulent apporter des variations d'intensité -les nuances. La paternité du piano-forte incombe à Bartolomeo Cristofori, qui découvre le système permettant de frapper les cordes de bas en haut, tout en leur ajoutant une caisse de résonance pour obtenir un meilleur volume sonore que sur le clavicorde. Ainsi, l'action du marteau produit une note qui diffère d'intensité selon la force de frappe, et qui ne dure pas. Cette mécanique ouvre la voie au romantisme et à ses lieds empreints de demi-teintes, impossibles à obtenir avec un clavecin ou un clavicorde. Par la suite, l'Angleterre et l'Allemagne s’emparent de cette découverte pour produire en quantité des modèles de piano-forte toujours plus sophistiqués. Le nom de cet instrument exprime d'ailleurs sa capacité à passer des nuances "piano" (douces) aux nuances "forte" (fortes). Enfin à partir de 1820, les pianos commencent à ressembler aux pianos modernes. Chopin et les pianos Pleyel, une grande histoire d'amourSi les fabricants de pianos possèdent leur propre idée de l'instrument parfait, ils n'en restent pas moins fortement influencés dans leurs décisions par l'usage qu'en font les pianistes les plus célèbres. "Quand je me sens en verve et assez fort pour trouver mon propre son à moi, il me faut un piano de Pleyel." C'est ainsi que Frédéric Chopin décrivait son rapport à sa marque de piano favorite, se contentant d'un clavier plus sobre lorsque son humeur déclinait. Celui qui a montré et enseigné l'importance des doigtés réservait sa virtuosité aux pianos suffisamment expressifs. Ami de Camille Pleyel, fils du fondateur de la maison Pleyel, qu'il rencontre en 1832, Chopin possédait toujours en ses appartements un piano à queue récent de ladite marque. Il y jouait pour ses amis au cours de soirées mondaines, mettant en avant les nouveaux modèles et leurs innovations. Pleyel fournissait Chopin gratuitement en échange de l'excellente publicité qu'il produisait pendant ses concerts privés ou dans les salons de l'entreprise. Lors de ses nombreux déplacements, le compositeur polonais bénéficiait d'une livraison particulière de la part de Pleyel, afin qu'il puisse continuer à s’entraîner. Son jeu aérien, intégrant des passages beaucoup plus intenses, s'harmonisait parfaitement à la mécanique des claviers, de sorte qu'il garda toute sa vie une affection particulière pour ces pianos. En retour, Camille Pleyel prenait en compte avec un sérieux non affecté les retours que lui faisait le pianiste, ce qui conduisit à des améliorations continues de la mécanique, et à l'apparition du piano droit. L'arrivée du double échappement et des virtuoses du pianoLe système du double échappementLe double échappement, pour faire simple, permet de rejouer deux fois rapidement la même note avant que le marteau ne soit complètement retombé. Par ce procédé, l'enchaînement des mélodies gagne en vivacité et les compositions plus libres repoussent les limites de la virtuosité. Érard, firme de pianos française, dépose en 1821 le brevet pour la répétition à double échappement. Celui-ci connut un succès tel qu'il fut implanté systématiquement sur les pianos à queue de concert. C'est également par son biais que surviennent les pédales, qui apportent une grande variété de nuances et de liaisons dans les mélodies. En parallèle avec ces avancées, le nombre de touches augmente et offre une tessiture de plus en plus étendue.Évolution du nombre d'octaves au pianoAu fur et à mesure que la mécanique se fit plus perfectionnée, le nombre d'octaves augmenta et avec lui la taille du clavier. Une bonne raison de pratiquer régulièrement ses gammes ! Les compositeurs jouèrent de cet apport en inventant des morceaux toujours plus expansifs, capables de faire courir les doigts du musicien d'un côté à l'autre du clavier. Le piano comptait en général :5 octaves au 17e siècle (Mozart)6 octaves et demie au 18e siècle (Chopin)7 octaves au 20e siècle (Gerschwin)7 à 8 octaves et demie actuellementLes grands facteurs de pianos internationauxComme tout produit industriel qui réussit, le piano-forte et, a posteriori, le piano moderne, attirèrent les entrepreneurs. En résultèrent des instruments d'abord fabriqués en Europe, puis en Amérique, jusqu’à ce que la fièvre gagne l'Asie. Chaque marque de piano a sa propre ligne de conduite, ses valeurs et atouts qu'elle transmet au travers des modèles commercialisés. De sorte, aucun piano ne sonne de la même façon. Ceci laisse toute latitude aux musiciens de choisir et d'élire celui qui leur apportera la satisfaction ultime.Les pianos PleyelEn dehors de Chopin, de nombreux pianistes d'exception se montrent séduits par cette fabrique ancestrale datant de 1807, à l'image de Saint-Saëns ou Stravinsky. Les pianos Pleyel sont des bijoux équipés des technologies de pointe, et travaillés par de véritables artistes. Aujourd’hui encore, des designers signent des éditions spéciales qui mettent en avant l'instrument comme une oeuvre d'art à part entière.Les pianos BösendorferEn 1827, la fabrique Bösendorfer voit le jour à Vienne, en Autriche. Alors que Chopin ne jure que par les Pleyel, son ami et contemporain Franz Liszt adopte la marque avec entrain. Il fallait au moins la robustesse des pianos Bösendorfer pour supporter les attaques virulentes du virtuose. Sa renommée servira la maison en lui ouvrant les portes de l'export international. Aujourd'hui, la marque a été rachetée par Yamaha. Les pianos BluthnerJulius Bluthner apporte au piano le fameux système "Aliquot", qui délivre des harmoniques uniques grâce à la présence d'une corde annexe non touchée par le marteau, mais qui résonne en même temps. Ouverte en 1853, sa fabrique délivre un nombre impressionnant de modèles haut de gamme envoyés dans le monde entier. Avec le support du gouvernement allemand d’après-guerre, l'entreprise continue son activité sous la direction des fils Bluthner.Les pianos BechsteinL'entreprise berlinoise peut se targuer d'être actuellement le leader des ventes de pianos en Europe. Les Beatles, Elton John ou Queen utilisèrent des modèles Bechstein pour l'enregistrement de certains tubes. Ces pianos présentent des aigus clairs et brillants, tandis que la basse reste sobre et puissante.Les pianos Steinway & SonsBien que son fondateur soit né en Allemagne, l'aventure Steinway & Sons débute en 1853 à New York et connait un succès fulgurant. Ces instruments fabriqués en grande partie à la main témoignent d'une excellente robustesse. Il faut savoir qu'à l'époque, les virtuoses étaient réputés pour détruire quelques marteaux à chaque concert. En amenant une mécanique solide et expressive, Steinway convainc les amoureux du mouvement romantique.Les pianos YamahaPlus tardive à faire son apparition que les autres facteurs, Yamaha présente une offre diversifiée, mêlant pianos à queue haut de gamme, pianos d'étude et pianos numériques accessibles comme le Clavinova ou l'Arius. Depuis 1900, l'entreprise japonaise s'inspire du modèle américain et a su déployer son activité internationale grâce à un rapport qualité/prix serré. C'est aujourd’hui une des marques les plus vendues dans le monde. Le piano de nos jours, du piano à queue au piano numériqueLes différences entre piano acoustique et piano numérique sont loin d'être anodines. Les prouesses technologiques permettent d'atteindre des sonorités digitales d'une rare perfection, pourtant, les pianos à queue haut de gamme restent les compagnons indubitables des pianistes professionnels.Le piano de concert, piano à queue ou demi-queueHéritier du clavicorde, le piano à queue comporte une partie clavier et une table d'harmonie particulièrement étendue. Elle dépasse les 3 mètres de long dans les modèles les plus aboutis. Extrêmement lourd, cet instrument se déplace avec d'infinies précautions. Sa puissance le rend incontournable des concerts, notamment pour les pianistes solistes qui peuvent s'y exprimer avec une nuance impossible à retrouver sur un autre type de piano. Les cordes tendues à l'horizontale présentent une tension très élevée, elles sont au nombre d’une par note grave, deux par note intermédiaire et trois par note aiguë. Les pianos demi-queue ou quart-de-queue présentent des dimensions moins importantes que le piano de concert, tout en conservant une bonne résonance. Il existe également un modèle réduit appelé crapaud, d'une longueur d'environ 1,30 mètre.Le piano droit ou piano d'étudeApparu plus tardivement, ce type de piano présente des cordes accrochées à la verticale, il est donc plus haut et beaucoup moins profond que le piano à queue. Le gain de place permet de l'intégrer dans un salon moderne, et son coût s'en voit largement diminué. Les pianos droits acoustiques présentent des variations relativement extrêmes en matière de qualité et de sonorités, et leur puissance ne les rend pas adaptés aux représentations publiques. Néanmoins, ils conviennent parfaitement pour travailler au quotidien l'amélioration de sa technique.Le piano numérique ou piano électrique Tant au niveau du confort de jeu que du son, les instruments numériques progressent et deviennent de véritables concurrents de leurs homologues acoustiques. Quelques avantages de ces modèles de piano high-tech :Ils coûtent généralement moins cher que les pianos acoustiquesIls permettent de jouer avec plusieurs sonorités (violon, harmonium, orgue, etc.)Ils prennent très peu de place et se déplacent assez facilementLeur volume réglable rend le jeu possible à toute heure même la nuitLes fonctions numériques sont intéressantes pour exporter des fichiers audios, s'accompagner, utiliser un métronome, etc.Enfin, et non des moindres, le piano numérique ne nécessite aucun accordage puisqu'il ne possède pas de cordes. En revanche, les modulations possibles restent bien en deçà de la qualité de nuances d'un bon piano acoustique. Le piano du futurAprès plus de deux siècles de règne, le piano n'est pas prêt de quitter sa place de favori dans le monde des instruments. Peugeot et Pleyel présentaient en 2012 un piano à queue innovant, dont la mécanique abaissée permettait au public de voir le musicien, et au musicien d'entendre parfaitement son instrument. Les nouvelles matières, comme la fibre de carbone, dévoilent une légèreté et des propriétés de réverbération du son jusque là inconnues. La technologie et le design s'élèvent au même rang que la sacro-sainte mécanique, à l'image du Seabord, instrument au toucher sensible permettant d'allier la justesse du numérique à la finesse d'un clavier réactif au moindre mouvement du doigt. Et si, plutôt que de s'opposer, ces instruments du futur s'alliaient pour continuer à offrir au monde de nouvelles expériences sensorielles ?
0 Infographie : Top 5 de nos excuses pour ne pas jouer du piano ...
Débutants ou passionnés, petits ou grands, on a tous connu des périodes de baisse de motivation pour se mettre au piano de façon régulière. Voici le top 5 de nos excuses préférées pour ne pas jouer du piano, compilées en une infographie, et surtout, comment y remédier ! 1- « Je n’ai pas le temps pour jouer du piano ! »Ah ! Le fameux « je n’ai pas le temps », l’excuse n°1 pour ne pas faire ses entraînements quotidiens ! Pourtant il y a toujours le temps pour pratiquer le piano ! Par exemple, si vous avez un emploi du temps bien chargé, ou bien peu envie de vous mettre au piano après une longue journée d’école ou de travail, pourquoi ne pas mettre votre réveil un peu plus tôt le matin ? En vous accordant une vingtaine de minutes pour vous entraîner chaque jour, à la même heure, vous aurez une pratique régulière qui vous permettra d’avoir une progression plus linéaire. En effet, vous aurez tendance à mieux vous appliquer sans tout le stress d’une longue journée derrière vous.2- « Apprendre le piano, c’est trop difficile ! »Vous manquez de confiance en vous ? Vous trouvez frustrant de buter sur le même morceau pendant des semaines ? Il est peut-être simplement temps de changer votre méthode d’apprentissage ! Attaquez-vous aux morceaux qui vous posent problème en les découpant par groupes de mesures. Jouez seulement 2 ou 3 mesures d’affilée et répétez-les 10, 20, 30 fois de suite s’il le faut et passez ensuite aux 3 suivantes et ainsi de suite. Vous arriverez à la fin du morceau sans même vous en rendre compte ! Il ne vous restera plus alors qu’à travailler des groupes de mesures de plus en plus longs jusqu’à pouvoir jouer tout le morceau d’une traite ! 3- « J’ai oublié de répéter »Vous faites partie de ces étourdis qui oublient de s’entrainer après être pourtant passés plusieurs fois devant ce massif instrument qu’est le piano ? Pour éviter cela, définissez plusieurs moments dans la semaine que vous dédierez à la pratique du piano. N’hésitez pas à vous faire un planning ou à mettre une alerte sur votre smartphone ! Se créer des habitudes est la meilleure façon de ne plus oublier de vous entraîner !4- « Aujourd'hui je n’ai pas envie »Vous avez choisi le piano … mais vous n’avez plus envie d’en jouer ? Souvenez-vous, vous jouez pour vous faire plaisir ! Alors plutôt que de vous attarder des heures durant sur des morceaux qui ne vous plaisent pas, focalisez-vous sur ce qui vous a motivé à prendre des cours. Ne laissez pas la lassitude vous envahir ! Choisissez donc votre style de prédilection et rendez l’entraînement attrayant en alternant exercices et improvisations sur des mélodies qui vous plaisent !5- « Ce n’est pas ma faute si je ne connais pas mon morceau »Cette dernière excuse est la préférée des enfants alors, chers parents, soyez rusés ! Mettez-le face à sa responsabilité sans cesser de l’encourager et de lui faire prendre conscience de ses progrès. Accompagnez-le dans ses entraînements quotidiens, prenez le temps de vous asseoir avec lui et de lui prodiguer des conseils pour qu’il sente qu’il progresse, amusez-le. Et il n’aura plus l’occasion de dire à son professeur qu’il n’a pas pu s’entraîner parce que vous faisiez une lessive ou que vous tailliez la haie !Le mot de la finToutes les excuses sont bonnes quand on la flemme de s’entraîner. Mais souvenez-vous toujours des raisons qui vous ont poussé à prendre des cours, de ce qui vous motive et faites en sorte de rendre votre entraînement ou celui de votre enfant le plus ludique possible ! Vous verrez, vous commencerez même à trouver des excuses pour continuer de jouer un peu plus longtemps ! Dans le même thème : Apprendre le piano pour rester jeune / 5 idées reçues qui dissuadent d'apprendre le piano
0 Apprendre a mieux jouer du piano ...
Apprenez à mieux jouer du piano Le piano est un instrument complexe qui demande beaucoup de pratique et quelques bons conseils !Découvrez toutes nos astuces pour améliorer votre jeu au piano Top 10 des morceaux les plus joués au PianoVous avez peur d'être passé à côté d'un morceau pourtant classé incontournable par les pianistes qui vous entourent ? Voici notre classement des 10 morceaux les plus joués au piano.Lire la suite Où trouver des partitions de piano gratuites ?Comment trouver de bonnes partitions de piano gratuites que l’on soit débutant ou que l’on ait déjà quelques années d’expérience dans la musique ? Allegro vous dis tout ce qu'il faut savoir dans cet article. Lire la suite Comment jouer du piano en transmettant de l’émotion ?Comme le disait le célébre philosophe Emmanuel Kant "la musique est la langue des émotions". Mais comment transmettre vos émotions lorsque vous jouez du piano ?Lire la suite
0 Nos conseils pour les débutants #2 : Le rythme d’apprentissage ...
Surtout : pas de précipitation !En effet, l’apprentissage de la musique demande patience et maturation.Le temps, nous le savons, est un bien précieux qu’il faut savoir optimiser. Cela tombe bien, car la musique, elle, ne se presse pas, mais nécessite une attention régulière. C’est pourquoi, nous conseillons à nos élèves de mettre en place un rythme de une heure de cours par semaine pour débuter.Le maître mot, comme je l’ai mentionné plus haut : la régularité.Un cours de musique, quand on est débutant, c’est soixante minutes très riches pendant lesquelles l’élève va aborder beaucoup de choses différentes. Et donc, le besoin de faire mûrir tout cela après le cours au travers de sa pratique personnelle.Puis patiemment, de cours en cours, l’élève trouvera son rythme de croisière, et les progrès se feront sentir, doucement mais sûrement.Nos formules de cours offrent justement une grande flexibilité, ce qui vous permet de moduler quand vous le souhaitez la fréquence de vos cours tout au long de votre apprentissage.Nos conseillers, musiciens eux-mêmes, se feront un plaisir de vous renseigner sur ce thème.
0 Le rôle des muscles abdominaux dans le chant ...
De Pavarotti à Adèle en passant par Miley Cyrus, les chanteurs et chanteuses sont décidément bien loin d'avoir le même gabarit. Au-delà de leur morphologie, qu'en est-il de leurs capacités abdominales ? Est-il avéré que les muscles abdominaux ont un rôle à jouer en chant, ou au contraire, faut-il éviter de les travailler pour mieux chanter ?Que se passe-t-il dans le corps d'un chanteur ou d'une chanteuse ?Voici d'abord un un petit rappel anatomique pour comprendre le trajet de l'air dans le corps et les facteurs qui l'influent lorsqu'un chanteur ou une chanteuse produit un son.Première étape : l'inspiration et le rôle du diaphragmeAvant de chanter, il faut bien sûr inspirer. Le diaphragme, principal muscle régissant la respiration, s'abaisse pour permettre à l'air de pénétrer dans les poumons. Pendant cette phase, les poumons se remplissent jusqu'à l'arrêt du diaphragme soit par volonté, soit parce qu'il est au point le plus bas possible.Deuxième étape : l'expiration et le passage de l'air dans les cordes vocalesAlors que l'inspiration demande un effort musculaire, l'expiration est un relâchement dudit muscle. Le diaphragme, en se décontractant, remonte et appuie sur les poumons qui se vident de leur air. Les abdominaux jouent un rôle dans la rapidité d'évacuation de l'air. En forçant sur le ventre, vous soufflez plus fort et plus vite. L'air propulsé dans la trachée se modifie selon la position du larynx, et produit en sortant par la bouche un son plus ou moins aigu, plus ou moins fort. Influence des abdominaux sur le son produitLa seule implication réelle des abdominaux à ce stade concerne la force avec laquelle l'air est expulsé. Or, il est rare qu'un chanteur veuille "cracher" l'air. Il cherche plutôt à l'économiser. Vous pouvez demander à votre professeur cours de chant de vous aider à prendre conscience du travail de vos muscles pour mieux comprendre leur influence sur votre chant.Faire des abdos est-il néfaste pour la voix ?Une croyance populaire voudrait que le travail des abdominaux soit mauvais pour la voix. D'ailleurs, les grands interprètes d'opéra sont rarement connus pour leurs plaquettes de chocolat et tendent plutôt à arborer des formes généreuses au niveau de la taille. Cet argument n'est cependant pas correct, puisqu'il est tout à fait possible d'avoir une musculature développée tout en étant en surpoids. Alors, qu'en est-il vraiment de l'impact du gainage et des crunchs sur la capacité à bien chanter ? D'une part, la musculation en général n'a pas d'impact sur les cordes vocales. Le timbre de voix sera donc toujours le même quel que soit le développement physique du chanteur. La seule conséquence pouvant résulter du travail des abdos réside dans la rigidité apportée au niveau du ventre lorsque les muscles se densifient. Or, la modulation du flux d'air nécessaire pour chanter avec précision demande une certaine souplesse. Le principal responsable de cette fluctuation, le muscle abdominal grand droit, doit donc présenter un étirement facile et maîtrisé, qui peut s'opposer à la musculation traditionnelle visant à produire des muscles plutôt raides et épais.En chant lyrique, il est généralement déconseillé de muscler les abdominaux de façon intensive. En effet, la puissance nécessaire pour chanter sans micro demande un remplissage des poumons importants, qui pousse les viscères vers le bas et appuie sur la ceinture abdominale. Si celle-ci est trop rigide, elle peut empêcher l'action de se produire correctement.La mémoire musculaire fonctionne de la sorte : un muscle qui travaille d'une certaine façon s'améliore dans cette action, mais cela ne facilite pas pour autant d'autres actions qui sollicitent le même muscle. En résumé, faire des abdos muscle le ventre, mais n’entraîne pas le diaphragme à se contracter comme en chant et n'influe pas sur la puissance vocale. Les bienfaits du sport en général pour la pratique du chantEn dépit du peu d'intérêt d'avoir des abdominaux développés pour chanter, la pratique d'un sport reste une très bonne chose pour s'améliorer en tant que chanteur ou chanteuse. Le sport permet par exemple de :Améliorer sa capacité respiratoire et donc sa puissance,Pouvoir tenir plus longtemps en chantant sans s’essouffler,Mieux gérer son stress,Se relaxer et détendre l'ensemble des muscles,Avoir une posture tonique et droite,Pouvoir se déplacer, voire danser en chantant (ex : comédie musicale),Participer à la mise en place d'une bonne hygiène de vie globale.La natation fait partie des sports les plus recommandés pour le chant, car elle présente peu de risques de blessures, se montre non traumatisante pour les articulations en tant que sport porté, et travaille le souffle avec l'alternance de moments en apnée et en-dehors de l'eau. Mais si vous aimez courir, faire du vélo, de la boxe ou du basket, profitez de votre séance pour évacuer votre stress et finissez toujours par quelques étirements. Vous conserverez ainsi un corps souple et tonique, apte à se décontracter pendant le chant.Pour conclure, nous pouvons dire que si les muscles abdominaux interviennent au cours de la respiration, leur développement excessif n'est pas conseillé pour la pratique du chant. L'important est d'avoir une bonne posture, et de pouvoir détendre l'ensemble des muscles respiratoires avant de chanter. Pour ce faire, une bonne hygiène de vie couplée à la pratique d'un sport plaisir sont des clés reconnues et validées à la portée de tous les chanteurs, amateurs ou professionnels.
0 Combien de temps est nécessaire pour apprendre le solfège ? ...
Un certain temps… et plus ou moins vite, tout comme l’alphabet : parce que tout ce qui est un apprentissage de qualité demande un minimum de patience pour de très beaux résultats, vous aurez besoin de temps pour acquérir une vraie compréhension du langage fondamental de la musique, qu’elle soit interprétée avec un piano, un hautbois, ou un violon ! Souvent délaissé aujourd’hui par les enfants comme par les adultes débutants, tous reculent d’un même pas lorsqu’on prononce le mot : solfège ! Faut-il apprendre le solfège dès l’enfance pour bien le maîtriser ?Non, bien sûr ! Le solfège n’est pas un sport d’endurance mais un bon lexique musical que votre professeur de solfège va vous apprendre, de tout jeune Junior à Senior retraité pour vous initier et vous perfectionner. Le solfège ? C’est lire une partition comme un roman policier dont vous découvrez chaque jour un chapitre ! Son atout majeur ? Vous permettre de comprendre la structure d’une partition de piano ou de guitare jusqu’alors répétée de façon manuelle, intuitive ou auditive, de mémoire. Le solfège : une obligation pour jouer de la musique ?C’est évident, lorsque l’on regarde les musiciens lors de concerts, on a envie de jouer avec la même aisance et certains n’ont pas appris le solfège pour autant. Mais ce qui est vrai pour des compositeurs doués et repérés par des producteurs (qui d'ailleurs leur offrent généralement la transcription de leurs mélodies par un musicien maniant le solfège comme Beethoven), ramène toujours le débutant au fondement même de l’apprentissage musical – la théorie musicale occidentale transcrite et lue sur papier : le solfège qui permet d’être autonome.Si vous souhaitez vous lancer dans la composition, un professeur de solfège vous apprend à lire et écrire un papier à musique qui devient votre meilleur allié pour progresser et garder une trace écrite de vos créations. Dès lors que l'on prend comme support le papier pour écrire et jouer de la musique, alors vous pouvez codifier, relire, interpréter vous-même, devenir un musicien autonome autant que savant : votre assiduité autant que sa patience feront la différence !Combien de temps faut-il pour apprendre le solfège ?L'accompagnement d'un professeur proposant mille et une astuces sous formes ludiques (jeux de rythmes, jeux de notes, dictées visuelles...), ainsi que 10-15 minutes d’exercices et de lecture attentive chez soi permettent d’avancer rapidement, et d’apprendre en quelques mois seulement les rudiments de la théorie musicale : en bref plus on s’astreint, plus vite on progresse !Bien sûr, chacun va à son rythme et dispose de ses propres objectifs. C’est une discipline qui débouche sur un formidable levier de lecture générale et compréhension de la musique et de sa mécanique, qui vous aidera à progresser dans votre propre pratique musicale. Il est aussi possible de prendre des cours de solfège sans pour autant jouer de la musique, pour sa propre culture, néanmoins, l’apprentissage du solfège vient souvent compléter l’apprentissage pratique d’un instrument de musique, quel qu’il soit. Généralement on apprend le solfège tout au long de son apprentissage musical et l’on continue à en apprendre les petites subtilités au fil des années. En revanche, pour lire une partition ou retranscrire de la musique, les bases suffisent. Le solfège : un exercice fastidieux et trop long à assimilerUn exercice vous parait fastidieux ? Peut-être si vous le prenez comme un pensum, une obligation sans lien immédiat avec votre apprentissage en cours. Mais, comme tout ce qui a de la valeur, le solfège prend son temps ! Ce n’est qu’au fil de votre apprentissage que vous ressentirez ses bénéfices ! Vous ne le subirez plus mais vous le maîtriserez. Et, c’est à cet instant que vous mesurerez son importance et sa complémentarité avec l’apprentissage pratique de votre instrument de musique.L’idéal est de conjuguer apprentissage pratique et apprentissage théorique car il est toujours plus aisé de retenir et de comprendre une leçon que l’on applique immédiatement. Cela lui donne du sens et permet au cerveau de concrétiser la théorie. Cela est d’autant plus conseillé pour les jeunes enfants : appliquer ce qu’ils apprennent permet de donner du sens à ce qu’ils font et, c'est un argument de motivation essentiel.Peut-on se passer du solfège pour évoluer dans l’univers musical ?Bien sûr, on peut retenir l’utilisation des méthodes modernes plus rapides ! Toutefois, quel que soit votre choix dans un apprentissage musical - voix, instrument – un blocage se fera inévitablement sentir lorsqu’il faudra composer et écrire, lire les partitions : le support papier, codifié et décrypté vous rend la vie plus facile.Se détourner du solfège pour ne retenir que les rythmes, les accords et travailler de façon orale, c’est se priver d’un support exceptionnel pour accéder à ce cercle magique mais hyper-structuré qu’est l’univers musical.
0 Solfège : Apprenez à déchiffrer une partition en 7 points ! ...
Qui n'a jamais senti une légère angoisse devant ces signes étranges qui compose une partition de musique ? Connaitre des notions de solfège, est pourtant essentiel pour comprendre la musique écrite. Au même titre qu'un enfant qui apprend à lire, on apprend au fur et à mesure le sens qui se cache derrière les signes et les symboles de la musique ainsi que leur signification, une fois assemblés. Déchiffrer une partition de musique ce n'est pas si compliqué, il suffit bien connaitre quelques éléments clés et le tour est joué ! La portéeC’est l’endroit où sont inscrites les notes. Elle est composée de 5 lignes et de 4 espaces. Les notes basses sont écrites en bas de la portée, les notes plus aigües sont écrites dans la partie haute. Parfois certaines notes graves ou aigües doivent être écrites hors de la portée de 5 lignes, pour les repérer plus facilement, des lignes supplémentaires sont symbolisées autour de ces notes. On peut en utiliser autant que nécessaire. Les clésElles assignent aux notes leur place sur les lignes et les espaces d’une portée. L’usage de différentes clés permet d’écrire la musique pour tous les instruments, même si ceux-ci ont des sons beaucoup plus graves ou plus aigus que les autres.Clé de Sol : indique qu’une note placée sur la deuxième ligne est un Sol.Clé de Fa 4e ligne : indique qu’une note placée sur la quatrième ligne est un Fa.Ce sont les clés les plus utilisées. Parmi les instruments qui utilisent la clé de Sol, on retrouve le violon, la flûte, le saxophone ou encore la guitare. Pour la clé de Fa 4e ligne, on retrouve le violoncelle, la basse ou bien le trombone. Le piano utilise à la fois la clé de Sol (pour les notes aigües) et la clé de Fa 4e ligne (pour les notes graves). Il existe également une clé de Fa 3e ligne ainsi que des clés de Do 1ère, 2e, 3e et 4e ligne. Les notesIl existe 7 notes naturelles : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si. Ces notes sont répétées dans le même ordre pour atteindre des tons plus graves ou plus aigus. Chacune de ces répétitions est appelée une octave.Si on joue en clé de Sol, la ligne du Sol sert de point de référence à partir duquel la position des autres notes est déterminée. De la même façon, en clé de Fa 4e ligne, la position des autres notes se déduit à partir de la ligne du Fa. La valeur des notesLa durée d’une note se détermine par ce qu’on appelle une valeur de note. Elles se différencient par la couleur de la tête de note, la présence ou l’absence de hampe (ou queue) et de la présence ou l’absence de crochets.Une ronde a une tête de note creuse sans hampe. Elle dure 4 temps.Une blanche a une tête de note creuse avec une hampe. Deux blanches = une ronde = 2 temps.Une noire a une tête de note pleine avec une hampe. Deux noires = une blanche = 1 temps.Une croche a une tête de note pleine avec une hampe et un crochet. Deux croches = une noire = un demi-temps.Une double-croche a une tête de note pleine, une hampe et deux crochets. Deux doubles-croches = une croche = un quart de temps.Une triple-croche a une tête de note pleine, une hampe et trois crochets. Deux triples-croches = une double-croche = un huitième de temps.Une quadruple-croche a une tête de note pleine, une hampe et quatre crochets. Deux quadruples-croches = une triple-croche = un seizième de temps. Les signatures de tempsLes barres verticales sont appelées barres de mesure, elles divisent la portée en mesures. Les signatures de temps permettent de connaître le nombre et le type de notes que contient chaque mesure. Par exemple des mesures, 2/4 contiennent chacune 2 noires (« quater notes » en anglais).Les pausesLes pauses sont utilisées pour marquer des périodes de silence. Là où une note représente un son, une pause représente son absence. Un symbole de pause différent existe pour chaque figure de note différente, ils ont la même durée.Les points et liaisonsLes points et les liaisons sont utilisés pour modifier la durée d’une note. Mettre un point à droite d’une note augmente sa durée de la moitié de sa valeur, par exemple une noire pointée durera 3 temps au lieu de 2 pour une noire simple. Une liaison est une ligne courbe liant 2 notes ou plus d’un même ton. Utiliser une liaison entre 2 notes ajoute la valeur de la seconde note à la première. Cela permet également de faire durer une note entre 2 mesures.Le mot de la finVous disposez maintenant des bases indispensables au déchiffrage d'une partition de musique! Avant de vous lancer avec votre instrument de musique n'hésitez pas à consacrer du temps à la lecture de la partition en amont. Commencer par les notes, lisez-les à haute-voix puis essayer de les chanter afin de mieux saisir la mélodie du morceaux. Intéressez-vous ensuite au rythme en n'hésitant pas à le simuler avec vos mains par des frappes sur la table : battez la pulsation avec votre main gauche et reproduisez le rythme des notes et des silences avec votre main droite. Après cette étape, vous serez bien plus à l'aise une fois devant votre instrument !
0 Comment fonctionnent nos formules de cours ? ...
Nous proposons plusieurs formules pour vos cours de musique. Vous pouvez suivre les cours immédiatement, car les inscriptions sont possibles toute l'année. Budget serré, pas envie de vous engager, besoin de cours intensifs… faites votre choix en fonction de vos contraintes et de vos attentes : pour vous y retrouver, suivez notre guide ! Pour des cours de musique réguliers et suivis : l’année académiqueC'est une formule qui rencontre beaucoup de succès parmi nos élèves.. Son avantage principal : son prix, à partir de 13,50€ par cours. C’est la formule de cours de musique la moins chère qui comprend un cours par semaine de septembre à juin. Pour des cours de musique sans engagement : les cours particuliersPour toutes les personnes qui ne souhaitent pas s’engager, nous avons créé une formule de cours totalement libre. Vous démarrez quand vous le souhaitez, mais vous pouvez aussi vous arrêter quand vous le souhaitez ! Cette formule vous permet d’interrompre vos cours de musique dès que vous le décidez. Elle est un peu plus chère, mais c’est également la formule la plus souple ! Pour des cours de musique à la carte, les sessions de 10 ou 20 coursAu moment de votre inscription, vous achetez une session 10 ou 20 heures de cours. Vous êtes ensuite libre d’utiliser ces heures comme vous le souhaitez ! Vous pouvez utiliser ces cours de manière régulière, en fixant un créneau horaire avec votre professeur (au minimum une fois par semaine) ; mais vous pouvez également si vous le préférez prendre rendez-vous d’une fois sur l’autre avec lui, sans emploi du temps préétabli. Sur certaines périodes, vous pourrez avoir envie de travailler intensément et de voir votre professeur chaque jour, et sur d’autres périodes, travailler de manière plus autonome. C’est vous qui décidez ! Pour des cours de musique à la maison, les cours en ligneLa musique la maison ! Etudiez à votre manière, selon votre temps disponible. Les téléchargements instantanés enseignent les symboles, la théorie et plus de partitions que vous ne pourrez en imprimer. Les leçons intègrent les exemples audio et video. Des cours d'autoformation simples vous permettent d'apprendre à votre propre rythme. Les exigences de pratique sont adaptées au niveau de chaque étudiant. Dans quelle formule vous reconnaissez-vous le mieux ? Souhaitez-vous vous projeter dans un apprentissage de la musique à long terme ou préférez-vous ne pas vous engager ? Avez-vous envie de cours réguliers ou prévoyez-vous d’avancer de manière plus autonome ? Préférez-vous un cours collectif, un cours particulier ou un cours en ligne ? Une de nos formules est faite pour vous, vous n’avez plus qu’à choisir ! Contactez nos conseillers musicaux : ils connaissent parfaitement nos formules et pourront vous orienter vers celle qui vous convient.
0 4 exercices pour travailler l'indépendance des mains au piano ...
Connaissez-vous la différence entre l'indépendance et la coordination des mains au piano ? L'indépendance consiste à jouer une mélodie ou un rythme différent à chaque main. La coordination est le fait de pouvoir caler ces deux mélodies sur un même tempo. En travaillant l'une et l'autre, vous améliorerez considérablement votre capacité de jeu. Cela commence par quelques exercices très simples, qui s'enrichissent au fer et à mesure de nouvelles difficultés. 1. Les battements de main hors clavier de piano Travailler l'indépendance des mains au piano sans toucher à un clavier, c'est possible et c'est même très pratique pour vous entraîner n'importe où. Lorsque vous débutez, cette technique vous aidera à aborder en douceur l'indépendance des mains, sans le stress des notes ou de la partition. Le principe de base est le suivant : chaque main va frapper sur votre cuisse (ou sur une table, un fauteuil, etc.) en suivant le tempo, mais avec un rythme différent. Pour rappel, le tempo est le battement du métronome, qui donne en général la vitesse à laquelle vous jouez les noires. Le rythme représente tous les découpages possibles dans un temps, par exemple : La croche, La noire pointée, La blanche, La ronde, Les doubles-croches, Et ainsi de suite. Votre main gauche va commencer à battre le tempo, tranquillement. La main droite se rajoute, d'abord en effectuant des noires comme la main gauche, puis en effectuant des croches. Elle va donc frapper deux fois, une fois en même temps que la main gauche, une fois entre les deux battements du tempo. Échangez ensuite les deux mains. Pour augmenter la difficulté, tapez d'autres rythmes avec la main qui fait le rythme. Vous pourriez faire trois battements pour chaque temps, afin d'appréhender le rythme ternaire. Vous pouvez aussi en faire quatre pour travailler la régularité. Et si tout cela vous semble facile, essayez les croches pointées ! 2. Les battements avec les doigts hors clavier de piano Sur le même principe que précédemment, le but de l'exercice va être d'exécuter des battements. Cette fois-ci, ce ne sont plus vos mains mais vos doigts qui vont frapper chacun leur tour. Au lieu de deux possibilités, vous aurez donc des combinaisons avec dix variables.... un passage indispensable pour aborder plus tard les techniques de piano virtuoses ! Comme toujours, commencez par le plus simple. Utilisez le pouce et l'index pour effectuer deux battements alternatifs, d'abord les deux mains ensemble, puis en doublant le rythme d'une main. N'oubliez pas d'échanger ensuite. De nombreuses options s'ouvrent à vous pour rendre l'exercice plus compliqué et plus efficace : Tapez des rythmes plus difficiles avec des croches ou des triolets, Accélérez le tempo sans perdre en régularité, Ajoutez un troisième doigt, un quatrième, un cinquième, Partez sur un rythme ternaire (en trois temps) au lieu du binaire, Échangez à tour de rôle la main qui bat le tempo sans perdre le rythme. Vous avez d'autres idées ? N'hésitez pas à laisser parler votre créativité pour imaginer de nouvelles façons de repousser vos limites ! Vous pouvez aussi demander conseil à votre professeur de cours de piano qui doit connaitre quelques exercices pour l'indépendance des mains. 3. Le travail de l'indépendance des mains sur le clavier de piano Si rythmes et tempo sont bien intégrés, que vous avez le sentiment de maîtriser les alternances entre les deux mains, pourquoi ne pas vous lancer dans des petits exercices sur le clavier ? Un échauffement pour délier vos doigts au piano permettra de mettre vos articulations en condition. Afin de ne pas trop complexifier cet exercice, il est recommandé de garder une position des mains fixe au départ. Placez par exemple votre main droite avec le pouce sur le do, et votre main gauche avec l'auriculaire sur le do plus grave. Jouez les deux mains ensemble chaque note de la demi-gamme, jusqu'au sol, puis redescendez. À partir de là, une grande combinaison d'exercices est possible : Décalez le départ d'une des mains en attendant une ou deux notes, Doublez les notes jouées à une main, Doublez les notes jouées à une main et triplez celles de l'autre main, Jouez les notes d'une main sur les contre-temps (entre deux notes), Accélérez, sans que ce ne soit jamais au détriment de la justesse, Déplacez vos mains sur la clavier, Sifflez un air, chantonnez, claquez de la langue, tapez du pied... Si vous parvenez à jouer correctement avec les deux mains de façon indépendante mais coordonnée, tout en faisant autre chose (répondre à votre petite s?ur, ou jeter un ?il par la fenêtre), c'est que vous avez atteint un bon niveau : bravo ! 4. L'exagération et la lenteur pour des mains indépendantes au piano Cette astuce ultime vous aidera notamment dans le déchiffrage des partitions, lorsqu'il faut travailler chaque main séparément puis les jouer ensemble. Premier point : l'exagération. En en faisant trop, vous parviendrez rapidement à pouvoir en faire juste assez. C'est un exercice très utile pour le travail des nuances. Poussez à l'extrême vos techniques, en effectuant un maximum de battements de la main ou du doigt, en accélérant le tempo de vos gammes jusqu'à la limite ou en regardant carrément une série TV pendant que vos mains travaillent. Deuxième point : la lenteur. Encore et toujours, passez par la case ralentir dès que des difficultés s'installent. C'est pénible, c'est frustrant mais aussi indispensable que de courir lentement lorsqu'on apprend le running. Passage après passage, vos mains vont gagner en autonomie et le fruit de vos efforts vous fera relativiser ces heures d'entrainement intense !
0 Quels types de morceaux jouer au violon ? ...
Apprendre à jouer du violon est déjà un grand défi à relever, surtout les premiers mois. C’est un instrument magnifique qui nécessite tout de même de longs mois d’exercice avant de parvenir à jouer des morceaux fluides et agréables à écouter. Alors que tout semble toujours très accessible pour le piano et la guitare, quels types de morceaux peut-on jouer au violon ? Le violon, instrument mélodique par excellencePremier ou second violon, interludes joués en solo, pont musical très rythmé, le violon peut être pratiqué à plusieurs mais il est un des instruments mélodiques que l’on apprécie le plus d’entendre seul. Vibrations, amplitude, émotions… Le point fort du violon, c’est de pouvoir jouer toutes les principales lignes mélodiques des morceaux, même des chansons actuelles les plus connues.Vous pouvez alors vous rendre en magasin ou sur la toile et acheter les recueils de partitions de vos idoles. Un chanteur préféré ? Un album favori ? Vous pourrez aisément déchiffrer et jouer la partie chant, la voix lead, de celui-ci. Vous pouvez également chercher des pistes mp3 à télécharger légalement sur le net ou des CD de bandes son d’accompagnements pour vous sentir pleinement artiste ! Les possibilités sont infinies. Envie de vrais duos ? L’un de vos amis joue de la guitare ou du piano ? Devenez son premier violon et savourez le plaisir de jouer à plusieurs. Jouer du violon, et devenir le maître du folkEn provenance directe des Etats-Unis, le folk est un mouvement musical populaire traditionnel, essentiellement de langue anglaise. Fermez les yeux et imaginez-vous dans un pub, ou au milieu d’un festival post années 68, empli de contestataires et d’hommes prêts à faire changer le monde… Et si vous leur emboîtiez le pas ? Le folk, abréviation du mot « Folklore » est un style musical dans lequel le violon est roi. Ecoutez quelques morceaux des Dubliners, de Gwendal, de Lùsana ou encore de Louise Attaque et laissez-vous emporter par la puissance des violons, entraînants, vifs et vitaminés. Pour commencer, vous pouvez jouer les plus célèbres airs irlandais. Avec le temps et un peu de pratique, vous parviendrez à jouer selon vos émotions, à ajouter des notes ou à moduler la voix mélodique.Jouer des morceaux classiques au violon, trop traditionnel ?Enfin, il est évident que le violon reste l’instrument classique par excellence, présent dans tous les grands opéras ou pièces du monde. Mais contrairement aux idées reçues, le violon peut aussi sembler très moderne, même au sein de morceaux très connus. Avez-vous déjà pris le temps d’écouter des pièces de Georg Philipp Telemann ? Violoniste du XVIIIème, persuadé que la musique devait se plier aux sentiments des hommes et non l’inverse, il compose une cinquantaine de concertos pour violon seul ou accompagné d’un seul et unique autre instrument.Les morceaux les plus célèbres peuvent aussi beaucoup vous apporter. Apprendre à les jouer pourra vous faire progresser en technique mais vous permettra aussi de ravir les oreilles de vos proches. Comme nous vous le disions plus haut, le violon jouant très souvent la ligne mélodique principale, vous pouvez aussi jouer toutes les parties « main droite » de piano : une chance qui vous permettra là encore d’approcher une très large palette de morceaux classiques.Lorsque l’on ne sait pas quel morceau jouer au violon, il est intéressant de se demander ce que l’on aime vraiment, mais aussi de comprendre qu’il y aura toujours une différence entre les morceaux qui vous ferons progresser, techniquement parlant, et ceux qui vous divertiront plus mais ne vous demanderont pas d’effort particulier. Dans le même thème : 10 bonnes raisons d'apprendre le violon / Tout ce que vous devez savoir avant d'apprendre à jouer du violon.
