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0 Top 10 des défauts des guitaristes débutants ...
Lorsque l’on débute la guitare, ou tout autre instrument de musique, on commet généralement des erreurs, ce qui est bien normal, car jouer de la guitare n’est pas une capacité innée. C’est un savoir-faire qui s’acquiert au fil du temps, à force de travail et de répétition. Pour progresser, la méthode la plus efficace est d’identifier ses faiblesses et ses erreurs afin de tout mettre en œuvre pour les corriger. Nous faisons le point sur les erreurs récurrentes des guitaristes débutants et sur les astuces à mettre en pratique pour réussir à les surmonter ! #1 Ne pas être accordéJouer sur une guitare bien accordée est indispensable dès l’apprentissage des premiers accords. Or, de nombreux apprentis guitaristes ont trop souvent l’habitude de jouer sur des guitares accordées de manière très approximative, voire totalement fausse. Outre le côté désagréable pour les oreilles d’autrui, jouer sur une guitare désaccordée fausse l’oreille de l’apprenti musicien. En effet, l’oreille musicale est généralement quelque chose qui s’acquiert au fil du temps, en écoutant et en jouant, mais aussi en travaillant des exercices comme des dictées de notes par exemple. Jouer sur une guitare qui sonne faux, c’est induire son oreille en erreur, et lui apprendre dès le départ des mauvaises sonorités. Avec le temps l’oreille musicale sera donc faussée et il sera beaucoup plus difficile d’intégrer les « bonnes » sonorités. Avant de commencer à jouer, il est donc nécessaire de prendre le temps qu’il faut pour accorder sa guitare. Pour ceux qui ont du mal à trouver le bon accordage, vous pouvez utiliser un accordeur électronique qui vous sera d’une aide précieuse. Aujourd’hui, plusieurs applications mobiles gratuites proposent des accordeurs plutôt efficaces.#2 Ne pas s’échaufferLorsque l’on débute la guitare, on est souvent pressé de réussir à jouer les morceaux qu’on a en tête, au point de sauter certaines étapes comme l’échauffement. S’échauffer avant chaque répétition est pourtant fortement conseillé à tous les guitaristes. Comme pour les sportifs, s’échauffer permet certes d’éviter tout risque de blessure aux doigts, mais permet également de se mettre en bonne condition pour jouer. Jouer avec des « doigts chauds » c’est jouer plus efficacement.#3 Jouer trop viteJouer trop vite ou vouloir sans cesse accélérer son jeu est une des erreurs classiques chez les apprentis guitaristes. Jouer trop vite quitte à faire des erreurs, cela ne sert à rien et favorise la prise de mauvaises habitudes. En jouant trop vite, respecter les notes, le rythme et les bons mouvements devient très difficile, surtout lorsque jouer de la guitare est encore tout nouveau ! L’objectif à atteindre lorsque l’on interprète un morceau, ce n’est pas de détenir le record de rapidité, mais de jouer le plus justement possible et de transmettre des émotions. Les guitaristes débutants ne doivent donc pas avoir peur de jouer lentement, aussi lentement que nécessaire, afin de décrypter le morceau et d’en saisir toutes les petites subtilités pour mieux les restituer en suite. Une fois le morceau maîtrisé il sera alors possible d’accélérer progressivement la cadence, sans pour autant dépasser le tempo de référence. #4 Négliger le rythmeBeaucoup d’élèves en guitare ont tendance à se focaliser sur les notes et sur les accords. C’est une très bonne chose ! L’erreur est de se focaliser sur la mélodie au détriment du rythme. Le rythme est aussi important que la mélodie. Jouer des notes justes sur un mauvais rythme, c’est comme jouer 50% du morceau. Le rythme c’est ce qui donne de la structure et du relief à la mélodie. Il est donc essentiel et ne doit être négligé sous aucun prétexte. Il arrive qu’au début, conserver un rythme régulier tout au long du morceau soit un cauchemar pour certains guitaristes. Et pourtant, il existe de nombreux moyens de se familiariser avec les rythmes les plus complexes en pratiquant au quotidien quelques petite exercices spécifiques. A noter que certains exercices peuvent se pratiquer sans guitare. N’hésitez pas à demander à votre professeur de guitare des exercices sur mesure ou bien à faire l’acquisition d’un ouvrage sur le sujet.#5 Négliger les petites erreursEn tant que débutant, l’objectif est souvent de réussir à jouer un morceau en entier, et d’arriver au bout coût que coût. Or en procédant de la sorte, on néglige souvent des petites erreurs que l’on n’identifie même plus, comme une pause trop longue, une note brève qui sonne mal, etc. C’est en continuant à jouer ainsi que les mauvaises habitudes se prennent et deviennent par la suite difficiles à corriger. Pour y remédier, il faut privilégier la qualité du morceau et le découper mesure par mesure. Portez toute votre attention sur les notes et le rythme et à la moindre fausseté, arrêtez-vous, et travaillez uniquement enchaînement d’accords qui n’était pas juste, jusqu’à le maîtriser à la perfection. En procédant ainsi, même si vous aurez l’impression de mettre plus de temps à jouer un morceau, mais vous progresserez plus vite et surtout vous jouerez mieux. #6 Fuir la théorie musicaleLa théorie musicale n’est pas forcément indispensable dès les premiers cours de guitare, mais cela n’est pas pour autant qu’il faut lui tourner le dos. Nombreux sont les débutants à fuir la théorie musicale pour de mauvaises raisons comme l’appréhension ou l’idée que cela est totalement inutile. Apprendre un peu de théorie musicale n’a pourtant que des effets positifs ! Cela vous aidera à progresser et à comprendre plus facilement certains aspects de la musique.#7 Se disperser sur InternetInternet est un outil formidable sur lequel on trouve beaucoup de choses et parfois trop. Visionner des vidéos, lire des articles sur l’apprentissage de la guitare, cela est très positif. Cependant le danger réside dans la quantité d’information que l’on peut trouver. Par exemple, certains guitaristes vont passer beaucoup de temps sur Internet à lire ou à regarder sans pratiquer, ou bien en essayant un morceau pendant quelques heures seulement avant de passer au suivant, suite au visionnage d’un nouveau tutoriel, et ainsi de suite. Pour progresser en guitare, mieux vaut sélectionner quelques éléments et les travailler à fond avant de passer aux suivantes. Cela vous évitera de vous éparpiller et vous fera progresser plus vite.#8 Ne pas s’entraîner régulièrementCertains apprentis guitaristes ont tendance à jouer uniquement quand l’envie les prend. Or, pour véritablement apprendre à jouer de la guitare, il faut jouer de manière régulière, un peu chaque jour si possible. Lorsque l’on ne joue pas régulièrement, il est difficile de se voir progresser et cela conduit souvent au découragement et à l’envie de renoncer. Pourtant, il suffit de travailler au moins 20 minutes chaque jour pour pouvoir commencer à faire des progrès !#9 Ne pas s’écouter jouerÀ force de trop se focaliser sur ses doigts et sur ses mouvements, l’erreur courante est de ne plus s’entendre jouer. Et pourtant, s’écouter jouer est essentiel pour travailler son oreille et pour nuancer un morceau. S’écouter jouer permet aussi de se rendre compte de ses faiblesses et de corriger certaines erreurs. Lorsque vous jouez, n’hésitez pas à vous enregistrer et ensuite à vous écouter plusieurs fois en notant tous les points à améliorer.#10 Douter de soiLe doute est l’erreur la plus répandue chez les débutants, mais pas uniquement. Des doutes et une perte de confiance en soi peuvent intervenir tout au long de son apprentissage de la guitare. C’est un phénomène normal, car dans tout apprentissage il y a des moments de forte progression et des moments où l’on a l’impression de stagner, voire régresser. C’est dans ces moments-là qu’il faut fournir le plus d’efforts et ne pas se décourager, car, une fois ces doutes surmontés, le plaisir de jouer vaut bien tous les efforts fournis.
Qu'est-ce que le chant ?Le chant représente l'ensemble de la production de sons musicaux à l'aide de la voix. La personne qui produit le chant est appelée chanteur. Le fait de chanter résulte de l'action du souffle, en effet l'air est expulsé des poumons par l'action du diaphragme, comme pour une expiration normale et fait vibrer les cordes vocales. Le son ainsi produit est ensuite amplifié par le nez, sinus... et articulé par la langue et les lèvres pour former des syllabes. Quelle position pour le chanteur?Le chant fait appel à toutes les ressources du corps humain. Le système respiratoire est bien sur utilisé, mais aussi beaucoup de muscles aux fonctions les plus diverses, ceux du ventre, du dos, du cou, du visage. On parle souvent d'un entraînement musical mais aussi d'un entraînement sportif, car, pour faciliter le travail il faut surveiller sa posture et donc tous les muscles de son corps. Il est important que la cage thoracique soit ouverte, les épaules rejetées en arrière et la colonne vertébrale bien droite. Mais comme un entrainement sportif, le chant exige une bonne hygiène de vie, bien se nourrir, faire de l'exercice, éviter le tabac, les excès d'alcool... pour faire des progrès et les maintenir. L'interprétation :Chanter ce n'est pas seulement se servir de sa voix et de son corps, c'est aussi interpréter, faire partager au public les émotions contenues dans le texte, c'est en cela que, en fonction des genres musicaux sollicités, le chant rejoint fréquemment l'art de la scène. En musique classique par exemple, la voix est souvent utilisée comme un instrument de musique à part entière. Depuis plusieurs siècles, le chant classique a inspiré de nombreux compositeurs qui lui ont dédié divers genres musicaux : chansons polyphoniques, messes, motets, chorals, cantates, opéras, oratorios, mélodies, etc. L'interprétation est une étape inévitable afin de vivre et de ressentir des textes souvent très particuliers. Mais l'interprétation trouve aussi une grande importance dans les musiques actuelles notamment dans la variété ou dans des musiques très vivantes comme le blues, le jazz ou encore le flamenco. La manière de faire passer les émotions, de ressentir la musique et le texte permet à l'interprète de retranscrire avec son corps et ses mouvements les différentes émotions au publicLes questions les plus fréquentes :A quel âge peut-on débuter ?Le chant est une matière musicale qui peut être débutée tôt notamment dans le cadre d'un éveil musical. L'éveil permet à l'enfant d'aborder avec son professeur l'apprentissage des différents registres sonores, des pulsations et des rythmes (de manière sensorielle), et de s'initier au chant ainsi qu'à la reconnaissance des instruments. A partir de 7-10 ans les cours de chant sont tout à fait envisageables. Il est possible à cet âge de découvrir sa voix et les différentes façons de l'utiliser ainsi que de travailler le sens de la mélodie. Néanmoins, le timbre ne sera travaillé qu'à partir de 16 ou 17 ans afin de ne pas perturber le développement des cordes vocales de l'enfant. Il est primordial pour les débutants de travailler sur des registres qui leur plaisent. Rock, variété, classique ou jazz constituent les 4 registres principaux qui peuvent être abordés lors d'un cours de chant. Après cela, la pose de la voix, le travail sur la justesse, le placement et la respiration constitueront les axes principaux de travail à aborder lors d'un cours de chant. La théorie sera abordée en fonction des besoins de chaque élève et de ses objectifs. Le solfège est-il obligatoire ? Dans le cadre d'oeuvre classique, ou de jazz, il est quasi indispensable de maîtriser le solfège afin de savoir déchiffrer une partition. Dans le cadre d'un cours de chant le solfège et intégré à la pratique. Dans le cadre des musiques actuelles, le solfège n'est pas vraiment obligatoire car la lecture des notes ne constitue pas un élément indispensable pour les cours. Un piano, des accompagnements CD ou un guide chant, pourront servir de support pendant les cours. Néanmoins l'acquisition d'un minimum de bases théoriques permet d'évoluer avec plus de précision ainsi qu'une meilleure compréhension de la musique. Est-ce que je peux prendre des cours de chant si je n'ai pas piano chez moi ?Oui bien sur, avec certaines méthodes CD ou avec un Guide Chant il est tout à fait possible d'apprendre sans piano. Un guide chant est un petit clavier portable qui permet de pouvoir utiliser les notes de la gamme afin de travailler sur la justesse de la voix de manière plus précise. Mais il est primordial de posséder une base mélodique afin de travailler à partir des notes de la gamme pour axer le travail sur la justesse.Peut-on débuter le chant dans tous les styles ?Est-il indispensable de faire du classique avant du se lancer dans le rock ou le jazz ? La réponse est bien évidemment non. Il est possible d'apprendre à chanter dans quasiment tous les registres, la seule difficulté va se situer dans le fait que certains styles demandent plus de travail et de connaissances que d'autres. Pour la variété ou le rock, l'approche du chant demande moins de technique que pour de la musique classique ou du jazz. En effet ces registres sont plus exigeants techniquement que les autres. Les cours dans ces registres s'apparenteront donc dans un premier temps à des cours de technique vocale. Mais il est tout à fait envisageable de débuter le chant par le chant lyrique ou le chant jazz ! En revanche, le mélange des styles peut constituer un atout intéressant pour l'élève. En effet la découverte de nouveaux registres permet d'aborder des choses différentes et ainsi enrichir ces techniques et le vocabulaire musical de l'élève.
0 Quels sont les grands pianistes d’aujourd’hui ? ...
Lorsque l’on parle de « grands » pianistes, les premiers noms qui viennent à l’esprit sont généralement Mozart, Chopin, Schubert, Schuman, Debussy et d’autres grands noms de la musique classique qui ont marqué l’histoire du piano au cours des derniers siècles. Les compositions de ces virtuoses, considérées aujourd’hui comme les grands classiques du piano, sont jouées à de multiples reprises et ont fait partie de l’apprentissage de la majorité des apprentis pianistes à travers des versions simplifiées ou originales. Certains de ces apprentis pianistes sont d’ailleurs devenus à leur tour de grands pianistes même s’ils ne sont pas encore élevés au rang des plus grands virtuoses de l’histoire. Qui sont donc les grands pianistes de notre siècle ? Découvrez notre liste, non exhaustive bien sûr ! Lang LangLang Lang est un pianiste chinois né en 1982 d’un père musicien qui l’a soutenu depuis ses premiers cours de piano, à l’âge de 3 ans. Très vite, le petit pianiste en herbe est considéré comme un virtuose et est admis au conservatoire de Pékin à l’âge de 9 ans. Il remporte alors de nombreuses récompenses confirmant un véritable don pour le piano. Lang Lang interprète de nombreux morceaux de Chopin, Tchaïkovsky, Beethoven et donne son premier concerto au Carnegie Hall de la 7e Avenue de New-York en 2001. Cette représentation marque le début d’une carrière internationale à laquelle se succèdent d’autres représentations mondiales comme la cérémonie d’ouverture de la Coupe du Monde de Football de 2006 ou encore la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Pékin en 2008. Lang Lang a également fait forte impression auprès du grand public lors de la 56e cérémonie des Grammy Awards où il a interprété avec brio aux côtés du groupe mythique Metallica un de leurs titres cultes, One. YirumaC’est en Corée qu’est né Yiruma, pianiste talentueux aujourd’hui célèbre dans le monde entier. Yiruma a été révélé au grand public notamment lorsqu’un de ses morceaux, River flows in You a été proposé par les fans pour intégrer la bande originale de la saga Twilight. Bien que le titre n’ait pas été retenu, Yiruma vend aujourd’hui de nombreux albums dans le monde et connait un succès sans faille. Ses morceaux les plus connus, River flows in You et Kiss the Rain sont repris à de multiples reprises par de très nombreux pianistes amateurs sur un célèbre réseau social. Rudu LupuRudu Lupu est un des grands pianistes de notre siècle. Né en 1945 en Roumanie, il a commencé le piano à 6 ans, mais c’est vers l’âge de 12 ans qu’il a donné sa première représentation publique lors de laquelle il a interprété ses propres compositions. Ayant obtenu de nombreuses récompenses plus prestigieuses les unes que les autres comme la première place à la compétition internationale de piano Van Cliburn en 1966, il est connu pour ses interprétations des œuvres de Leos Janacek et Béla Bartok. Malgré ses nombreux concerts avec les plus prestigieux orchestres comme l’Orchestre symphonique de Chicago il a toujours su rester modeste et humble et considère que l’artiste doit avoir sa propre voix. Sonya BelousovaSonya Belousova est une jeune pianiste Russe reconnue enfant prodige lorsqu’elle avait à peine 13 ans. Elle a d’ailleurs été récompensée par le ministre de la Culture Russe. La jeune pianiste a composé pour des séries télévisées comme the Mist et est connue sur la toile pour ses interprétations de morceaux contemporains comme Bohémian Rhapsody de Queen. Sonya Belousova s’est révélée au grand public grâce à sa collaboration avec le célèbre compositeur Jorge Calandrelli qui l’a décrite comme une des plus jeunes et talentueuses musiciennes qu’il n’ait jamais connues et avec qui elle a sorti un album. Khatia BuniatishviliAutre grande virtuose du piano, Khatia Buniatishvili est une femme qui fait parler d’elle dans le milieu de la musique classique actuelle. Géorgienne d’origine et naturalisée en France, elle commence le piano très tôt, à l’âge de 3 ans, soutenue par sa mère. Elle donne ensuite son premier concert à l’âge de 6 ans et intègre en 2004 le conservatoire d’État de Tbilissi. Elle se fait remarquer suite à son concerto pour piano No 2 de Chopin au Carnegie Hall de New-York pour son talent et sa sensualité. Quelques années plus tard, elle sort son premier album solo produit par Sony BMG Entertainment. Yann TiersenContrairement aux autres pianistes de notre liste, Yann Tiersen n’est pas uniquement un pianiste de talent. Il est également violoniste, accordéoniste et surtout compositeur de renom qui s’est fait connaître mondialement grâce à la composition de la bande originale du film de Jean-Pierre Jeunet devenu culte, le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain. À la suite du film, il a d’ailleurs obtenu le César de la meilleure musique de film. Il a ensuite composé d’autres bandes originales de films comme Good Bye, Lenin et a produit plusieurs albums. Marielle et Katia LabèqueLes sœurs Labèque sont deux sœurs et pianistes françaises connues pour leurs concerts en duo lors desquels elles jouent souvent face à face. Leur carrière internationale débute lorsqu’elles enregistrent leur interprétation de Rhapsody in Blue composée par Georges Gershwin pour deux pianos. Cet enregistrement leur vaudra leur premier disque d’or en 1980. Elles ont ensuite sorti de nombreux albums et réalisé des collaborations avec des orchestres prestigieux comme l’Orchestre Philharmonia. Dans un registre plus contemporain on peut citer d’autres pianistes ayant marqué notre siècle comme Chris Martin du groupe Coldplay, Mattew Bellamy de Muse, Elton John ou encore Aretha Franklin.
0 Pourquoi le « La » est-elle la note de référence ? ...
De nos jours, les musiciens professionnels comme les musiciens amateurs entament leur session de jeu en accordant leur instrument à partir du La (ou plus précisément du La3 à 440 Hertz). Inscrite entre la deuxième et la troisième ligne de la portée sur une partition, cette note correspond à la corde à vide du violon et de l’alto. Une note repère, utilisée comme référence depuis plusieurs siècles, même si elle n’a longtemps jamais été réellement la même…Jusqu’au XIXe siècle, une fréquence variable La notion de « fréquence » ne fait son apparition qu’au XVIIIe siècle et celle de « Hertz » qu’en 1930 (avant, on parlait de cycles par seconde). Autrement dit, avant ces périodes, les musiciens ne pouvaient s’appuyer sur aucun diapason commun : il n’existait pas de note fixe de référence !Sur quelle base les instruments s’accordaient-ils ?Au sein des orchestres, les instruments se réglaient par rapport aux instruments à vent (flûtes, trompettes…) dont la hauteur ne change pas, contrairement à la plupart des instruments dont le son peut être altéré par la température et l’humidité ambiante.Mais cette « référence » était aussi susceptible de varier en fonction des habitudes de chaque pays et compliquait la tâche des orchestres internationaux… Sans compter que ce diapason pouvait également évoluer en fonction du lieu de la représentation : par exemple, on distinguait le « ton de chapelle » plutôt bas pour permettre le chant et le « ton de chambre » traditionnellement plus haut. Pourquoi fallait-il que cet usage évolue ?Avec la révolution industrielle qui facilite la fabrication en série d’instruments et les exports entre les pays, l’absence de référence est devenue trop problématique. À l’époque, Verdi et Berlioz ont donc rejoint la contestation des chanteurs et des compositeurs, afin de pousser à la normalisation du LA.Pour l’anecdote, Hector Berlioz aurait écrit qu’il était persuadé que « l’élévation progressive du diapason est une cause de ruine pour les plus belles voix » : il faut dire que le La courait entre 330 et 560 Hertz entre le XVIe et le XIXe siècle.En 1939, la France a établi sa note de référence à 435 Hz, mais si cette initiative a inspiré les autres pays, elle est restée propre au territoire français… La normalisation mondiale du La arrive en 1953 ! En 1953, lors de la conférence internationale de Londres, le La3 à 440 Hertz devient la référence pour l’ensemble des orchestres du monde.Pourquoi est-elle fixée à 440 ?Il n’existe pas de réponse claire à ce sujet. Certains avancent qu’il s’agit d’une moyenne européenne des usages jusqu’alors pratiqués. D’autres pensent que l’export des instruments fabriqués en Europe vers les États-Unis explique ce choix - la fréquence élevée étant influencée par le jazz. Quelles sont les exceptions à cette norme ?En musique ancienne, comme les orchestres souhaitent respecter les anciennes conditions de jeu, les musiciens utilisent une fréquence différente. Par exemple, elle est de 466 Hz pour une musique de l’époque de la Renaissance, de 392 Hz pour du baroque français, 415 Hz pour du baroque allemand, etc.Mais si le La3 est désormais la norme, le musicien reste libre de jouer à la fréquence qu’il le désire : n’hésitez à en parler avec votre pour tester « différents La3 » et mieux appréhender les enjeux de votre choix final.Enfin, si vous décidez de respecter la fréquence officielle et si vous n’avez pas de diapason à portée de main, sachez que la tonalité d’attente d’un téléphone fixe est généralement fixée à la hauteur de 440 Hz.
0 Piano au conservatoire: l'intérêt de prendre un professeur particulier ...
Dans le cadre d'une formation au conservatoire, choisir professeurs de piano permet d'agencer une progression constante et rapide, et de varier les méthodes utilisées.Quel est le cursus suivi par les pianistes du conservatoire ? Principalement axé sur la voie classique, le conservatoire est un institut qui propose des cursus de formation dans divers instruments. Plusieurs organismes coexistent :Le conservatoire à rayonnement communal/intercommunal, ou CRC/CRILe conservatoire à rayonnement départemental, ou CRDLe conservatoire à rayonnement régional, ou CRRLe conservatoire national supérieur de musique et de danse, ou CNSMD La formation traditionnelle comporte trois cycles de quatre ans, et un cycle de préparation au milieu professionnel. Au cours du premier cycle, les élèves de piano effectuent 2h30 de pratique musicale par semaine, dont 1h dédiée à l'instrument choisi ou attribué. Intéressant, mais pas suffisant pour s'approprier le clavier et décortiquer les morceaux appris. En plus du travail personnel, le recours à un professeur particulier de piano représente un bon complément à la formation au conservatoire pour progresser rapidement. Comment trouver un professeur de piano de conservatoire ? Le statut de professeur de musique ne cantonne pas à un seul type d'activité. Il est donc fréquent de retrouver des professeurs agréés qui donnent alternativement des cours de piano et des leçons au conservatoire. Nos professeurs possèdent les compétences requises et pourront vous aider ou accompagner votre enfant dans son cursus de piano au conservatoire. Le professeur de piano, un soutien disponible Seul devant son piano, difficile de se remémorer les termes appris au cours de solfège et les indications pointées par le professeur. Ce qui semblait limpide et clair lors de la leçon devient beaucoup moins évident hors contexte. Les cours collectifs, fréquents les premières années, ne laissent pas le loisir à chaque élève de poser toutes les questions qu'il souhaite. Un professeur de piano se montre dans ces cas d'une grande aide pour reprendre calmement les points qui posent problème. Plus fréquent est l'entraînement, plus rapide sera la progression. En ajoutant un cours hebdomadaire ou mensuel à votre programme, vous serez d'autant plus sollicité et motivé sur l'apprentissage du piano. Au lieu de développer des réticences lors des séances d'entraînement à force de rejouer les mêmes passages, vous pourrez varier à loisir avec plusieurs morceaux et redonner à votre cerveau le goût du piano. Et qui sait, les exercices proposés par votre professeur de piano particulier vous aideront peut-être à enchaîner ces fameuses variations de Mozart ! Diversifier sa technique et ses méthodes de pianoPour découvrir les bases du jazz au piano ou apprendre des morceaux de variété en complément de votre bagage classique, rien de tel que de prendre quelques leçons en plus du conservatoire. Pourquoi se cantonner à un style, une méthode, une pédagogie ? Lors du cursus de formation au conservatoire, le professeur désigné suit généralement l'élève plusieurs années, ce qui présente à la fois des avantages et des inconvénients. Si le maître de piano connaît parfaitement l'apprenant et sait identifier ses difficultés, les morceaux qui lui conviennent, ou les points à travailler plus intensément, il risque également d'être moins attentif aux nouveautés qui émergent au cours de la vie artistique du pianiste. Goût pour de nouveaux styles de musique, blessures aux doigts ou aux poignets, difficultés à s'éloigner des acquis : les écueils se surmontent parfois plus aisément avec un professeur de piano extérieur, qui apportera un nouvel angle de vue.
0 Distinguer les principales formes de morceaux pour piano ...
À travers les époques, les compositeurs s'appuient sur différentes formes musicales pour créer des morceaux qui respectent certaines structures ou s'en affranchissent volontairement. Le piano constitue peut-être l'un des rares instruments qui se prête aussi bien aux morceaux en solitaire qu'à l'accompagnement du chant, à la musique de chambre ou à la musique d’orchestre. Voici un tour d'horizon des principaux types de morceaux que vous pourrez trouver en piano.Les formes musicales pour piano seul La sonate pour pianoFigure du classicisme et très prisée de Mozart et Beethoven, la sonate fait la part belle à l'instrument dans une structure évolutive qui reprend généralement les quatre mouvements suivants :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement lent (adagio)Une danse (menuet, scherzo)Un quatrième mouvement rapide (vivace) Your browser does not support the video tag. Les danses : valse, menuet, polonaise, gavotte, etc.La musique accompagne de tout temps la danse, qu'elle soit inspirée des traditions régionales (polonaise, mazurka) ou spécifique à une époque (le menuet de Louis XIV, le boléro de Charles III). Ces morceaux ancrent les temps forts pour accompagner les danseurs dans leur évolution, à l'image du trois-temps de la valse. Ils alternent des nuances marquées et jouent sur un tempo vivant, enjoignant au mouvement. Your browser does not support the video tag. Les étudesSi vous suivez des cours de piano, votre professeur pourrait bien vous proposer une étude d'un des maîtres du genre, que Bach a fortement inspirés avec son "Clavier bien tempéré". Pièce destinée à travailler un aspect technique du piano, l'étude ne s'adresse pas qu'aux débutants et figure fréquemment sur le programme des plus grands pianistes d'aujourd'hui dans ses versions les plus abouties. Your browser does not support the video tag. Les variations En partant d'un thème donné, les variations exploitent cette mélodie sous diverses formes en jouant sur la tonalité, le tempo ou l'accompagnement. Le thème utilisé provient du répertoire populaire, sous la forme d'un hymne national ou d'une chanson connue comme les célèbres variations de Mozart sur "Ah vous dirai-je maman". Il peut également être issu d'un morceau contemporain de l'époque du compositeur, qu'il apprécie particulièrement.La fugue pour pianoCette forme typique associe plusieurs voix qui s’interpellent sous la forme de questions-réponses autour d'un thème. La fugue et son principe d'imitation se retrouvent dans les canons, qui au lieu de présenter les voix chacune à leur tour, les mêlent ensemble dans un savant travail de contrepoints. Your browser does not support the video tag. Les morceaux de piano qui accompagnent le chant Le liedLa forme du lied provient de l'Allemagne et désigne un poème assez court chanté avec l'accompagnement d'un clavier. Il revêt une forme caractéristique de la mélodie française, avec couplets et refrains. Romantique par définition de par les textes qu'il utilise, le lied s'inspire de thèmes mélancoliques dont l'amour, la nature, la nuit ou le voyage. Il met en valeur la voix et les grandes capacités d'accompagnement du piano. Your browser does not support the video tag. La cantateDu latin cantare, chanter, la cantate marque l'époque baroque à travers des textes profanes ou sacrés. Une voix, parfois deux ou trois, mettent en musique un poème, et sont soutenues par l'accompagnement d'un ou plusieurs instruments. Cette forme, moins utilisée après la période romantique, reste toutefois largement relayée par des compositeurs récents. Your browser does not support the video tag. Les formes musicales pour piano et orchestre symphonique Le concerto pour pianoCette forme très connue des musiciens peut s'apparenter à un dialogue entre l'orchestre et le soliste. Le thème, repris par l'un ou par l'autre, se développe selon trois mouvements :Un premier mouvement rapide (allegro)Un deuxième mouvement plus lent (andante)Un troisième mouvement rapide (allegro)Il s'apparente de par sa structure précise à la sonate et à la symphonie. Your browser does not support the video tag. Les messesD'un caractère sacré, la messe comporte des textes liturgiques interprétés lors des cérémonies religieuses. Initialement, cette forme musicale concernait exclusivement les chœurs. Elle s'accompagne progressivement d'orgues, de claviers et d'autres instruments, jusqu'à devenir une véritable pièce d'orchestre. Une des compositions maîtresses de ce registre est le Requiem, ensemble de morceaux funèbres joués pour un enterrement. Your browser does not support the video tag. Les suites pour piano et orchestreLa suite constitue l'une des plus anciennes formes de musique. Elle reprend différents morceaux en alternant les tempos, pour produire un ensemble cohérent et agréable à écouter, sans lassitude. La structure d'une suite varie beaucoup selon les époques, elle peut tout aussi bien comporter des morceaux d'opéra, des danses de ballets ou servir de bande-originale à un film. Elle intègre cependant la plupart du temps un prélude ou une ouverture, qui en caractérise la tonalité générale. Your browser does not support the video tag.
0 4 conseils pour créer vos séances d'entrainement au piano ...
Que vous preniez des cours de musique avec un professeur ou que vous appreniez le piano en autodidacte, une notion prime pour garantir la réussite de votre parcours : la régularité. Pour observer une progression constante et satisfaisante, il est essentiel de prévoir des séances d'entraînement aussi fréquentes que possible.S'entraîner au piano : souvent plutôt que longtempsNon, passer deux heures au piano chaque dimanche ne revient pas au même que de pratiquer chaque jour 20 minutes d'exercice. Avoir recours à un professeur particulier de piano ne vous dispense donc pas de vous entraîner entre les cours. C'est d'ailleurs la meilleure façon de retenir ce qui a été abordé avec le professeur.L'intensité de la concentration fluctue, au bout de trois quarts d'heure environ, la majorité des élèves de piano éprouvent des difficultés à conserver leur niveau d'attention. Plusieurs séances de durée inférieure à une heure seront donc plus productives qu'une seule grosse séance hebdomadaire, car le processus d'apprentissage se fait dans la répétition. Fixer un objectif pour chaque séance de pianoAujourd'hui, vous allez approfondir votre connaissance des gammes majeures, travailler le passage difficile d'un nouveau morceau ou développer l'agilité de votre main droite. Mettre en place un objectif défini permet à la fois d’accroître votre motivation, de visualiser votre progression, et d'être efficace même sur des séances courtes. Notez sur un planning hebdomadaire ou mensuel les points clés de vos entraînements, et tâchez d'adapter le contenu de vos séances dans leur intégralité. Par exemple, si vous prévoyez de maîtriser une notion de solfège, faites vos gammes en citant le nom des notes pour vous échauffer. Si votre but du jour consiste à progresser dans l'accompagnement de la main gauche, commencez par réviser vos accords, etc. Un bon objectif doit être court (pas plus de quelques mesures sur un morceau, une seule gamme ou notion à apprendre à la fois), clair et accessible. Ne pas négliger l'échauffement des doigts du pianisteParmi les défauts récurrents chez les débutants, la position des doigts arrive en bonne place. Des mains crispées, qui tremblent ou qui manquent de souplesse entraînent fatalement des difficultés dans le jeu.L'échauffement des doigts et des poignets constitue une étape importante, car elle prépare les articulations et les muscles qui seront sollicités pendant la séance. C'est d'autant plus pertinent en hiver : pour peu que vous jouiez dans une pièce mal chauffée, vous perdrez en fluidité et en confort dans vos mouvements.Afin de pallier aux douleurs de dos et de cervicales inhérentes à la position assise, faites quelques cercles avec la tête, grandissez-vous, puis étirez vos épaules et vos avant-bras. Pour les mains, essayez les techniques suivantes.Imitez un chat qui fait ses griffesSecouez les poignets, comme pour égoutter vos mainsFaites tourner vos poignets dans les deux sensÉtirez vos doigts vers la paume puis vers le dos de la mainAmenez le pouce vers le creux du poignet, puis en arrièreTendez votre bras en avant, coude vers le bas, et tirez vos doigts vers le bas pour étirer le poignet en profondeurÉcartez vos doigts les uns des autres et rapprochez-les, doucement puis rapidement Créer une routine d'entraînement au piano dans de bonnes conditionsLe téléphone qui bip toutes les cinq minutes, la petite dernière qui réclame son goûter, les portes qui claquent à chaque passage... Fuyez toute stimulation inutile qui viendrait perturber votre concentration. D'abord, choisissez un moment fixe pendant lequel vous serez sûr de ne pas être interrompu, si possible le même pour chaque jour d'entraînement, dans un lieu calme éloigné des zones de passage. La meilleure façon de rester régulier, c'est de créer une habitude. Celle-ci se base sur des rituels ou des réflexes qui doivent s'instaurer dès que vous prévoyez de jouer, dont suivent quelques exemples.Déposer le téléphone dans la cuisine, ou le mettre en silencieuxSe laver les mainsRégler la hauteur du tabouretPratiquer quelques respirations conscientesÉcouter une version audio du morceau que vous travaillezInspirez-vous-en pour composer votre propre routine !
0 Bien se préparer pour un concours de chant ...
Plus en vogue que jamais, les concours de chants attirent des milliers de candidats chaque année. Par désir de notoriété ou de reconnaissance, les apprentis chanteurs profitent de ces opportunités pour tester leurs capacités vocales devant un jury averti. Il ne suffit pourtant pas de savoir chanter pour réussir une audition. De nombreux critères entrent en compte et vous permettront d'assurer une prestation de qualité.S'inscrire à un concours de chant ou à une audition Comment trouver un concours de chant ?Il existe une grande diversité de concours, de la simple audition de fin d'année organisée par votre professeur de musique jusqu'au concours international de chant. Avant de vous inscrire à une audition, identifiez le niveau requis en écoutant par exemple les prestations des candidats de l'année précédente, ainsi que le style de chant retenu. Les concours se distinguent généralement entre le chant lyrique ou classique et le chant pop/variété.Vous souhaitez concourir pour une émission de chant télévisée ? The Voice, X Factor ou Nouvelle Star, elles font décoller l'audimat et constituent une voie rapide et efficace pour gagner en notoriété. En revanche, les places y sont rares.D'autres concours s'organisent régulièrement au niveau régional ou national, comme le Tremplin des voix ou les Auditions de la voix. Rapprochez-vous d'une école de musique ou d'un conservatoire pour glaner des informations sur les prochaines dates. Vous trouverez également ces renseignements sur les sites officiels des institutions.Enfin, les maisons de disque recrutent ponctuellement de nouveaux talents en organisant des auditions au cours desquelles elles repèrent le potentiel de certains chanteurs. Elles établissent ensuite des contrats d'engagement avec les artistes sélectionnés. Formalités administrativesLe dossier à remplir pour les inscriptions doit impérativement être envoyé dans les délais. Veillez à y faire figurer vos coordonnées exactes et mises à jour, de façon lisible. Joignez également les documents requis, et une photo qui vous mette en valeur : tenue décente, fond neutre, qualité professionnelle du cliché.En fonction des concours, il pourra vous être demandé d'envoyer une maquette, notamment pour les maisons de disque. Choisissez un enregistrement de qualité sonore optimale, si possible effectué dans un studio avec du matériel professionnel.Choisir une chanson pour un concours de chantLe choix de la chanson est une étape cruciale qu'il ne faut pas négliger. Il est même essentiel de connaitre au moins deux titres à interpréter. Vous souhaitez quelques pistes à suivre pour déterminer le morceau idéal ? Ce dernier doit dans la mesure du possible respecter ces indications :Niveau de chant adapté, sans difficulté technique pour vousFacilité d'interprétation dans le style et la mélodieChanson qui correspond à votre âge et à votre personnalitéTesté au moins une fois avec succès sur un publicRespecte votre tessitureParoles en anglais ou en français (un titre de chaque dans l'idéal)Les deux morceaux doivent être bien distincts (une ballade et une chanson rythmée par exemple)Chanson qui a une signification pour vousFait partie de votre répertoire habituelRéservez également un morceau que vous pouvez interpréter a capella, en cas de soucis techniques ou de demande particulière du jury.La préparation physique et mentale au concours de chant Connaître sa voix et la travailler correctementEn suivant un cours de chant, vous apprendrez le bon placement de la voix, et comment tirer parti de vos talents de chanteur. Si vous êtes autodidacte, suivez les conseils des professionnels distillés sur les plateformes vidéo, les blogs consacrés au chant ou les sites personnels pour trouver votre voix sans abîmer vos cordes vocales.L'un des points importants pour un concours sera de savoir placer votre voix pour gagner en puissance, car le jury peut vous demander de chanter sans sonorisation.Apprendre une chanson pour un concoursEn théorie, vous connaissez déjà la chanson que vous allez interpréter. Cependant, ce n'est qu'à force de répétitions quotidiennes que vous intégrerez parfaitement le sens et la mélodie du morceau.Portez une attention particulière aux paroles. Apprenez-les par cœur, en vous entraînant à commencer depuis le deuxième couplet ou le refrain plutôt que systématiquement au début, car le jury pourra vous demander de reprendre un passage en particulier. Il est également intéressant de pouvoir situer la chanson dans son époque, et de connaitre quelques détails de la vie de son auteur ou de son principal interprète.Construisez votre personnage en jouant sur votre tenue de scène. Sans en faire trop, harmonisez le contexte ou le style de votre répertoire avec vos habits. Ils doivent vous laisser respirer amplement, sans serrer la poitrine ou le ventre.Un petit conseil pour vous améliorer et repérer vos points faibles : enregistrez-vous en vidéo puis regardez avec attention votre gestuelle, votre visage, vos pieds, votre façon d'aborder les passages plus difficiles.Quel accompagnement choisir pour une audition ?Pour les concours lyriques, il vous faudra obligatoirement disposer d'un accompagnateur pianiste. Si possible, répétez votre morceau plusieurs fois en sa compagnie, et échangez sur l'interprétation que vous souhaitez lui donner.Pour les concours de variété, l'accompagnement est plus libre. Si vous disposez d'une trame sonore, elle doit être d'excellente qualité. S'accompagner avec son propre instrument reste possible, mais peut entraver la concentration et le positionnement pour une voix bien placée (en jouant assis par exemple). Quel que soit votre choix, là encore, répétez et répétez votre morceau pour ne pas rater votre entrée. Vaincre le trac pour réussir le concoursDepuis la méditation jusqu'aux techniques de respiration, les façons d'apaiser le corps et le mental se rejoignent vers le souffle. À vous de trouver celle qui vous convient le mieux.Pour vaincre le trac, rien ne vaut l'entraînement. Profitez de toutes les situations qui se présentent pour parler en public. Les karaokés, par exemple, permettent de se produire devant un public inconnu, sur des titres variés.Pensez à sourire, cette simple action détend les muscles du visage et apporte un réel bienfait psychologique. La visualisation positive, souvent utilisée par les sportifs de haut niveau, permet d'appréhender une situation en se la représentant plusieurs fois mentalement. Associez-y quelques phrases positives : Je vais réussir, Je connais les paroles, J'ai confiance en ma voix...La prestation finale : réussir son audition de chant Logement, déplacement, comment s'organiser pour se présenter au concours ?Les concours se déroulent généralement dans de grandes villes. Si vous devez vous déplacer, prévoyez votre moyen de transport et éventuellement votre logement, avec une bonne marge horaire. Moins vous serez stressé par les impératifs matériels, plus vous serez apte à aborder le concours sereinement.Bien que cela ne soit pas toujours possible, essayez de visiter la salle d'audition pour avoir un aperçu de sa taille, et de son acoustique. Enfin, gardez du temps pour vous relaxer avec un bain chaud, une promenade dans un parc ou un footing de dernière minute.Les horaires indiqués pour les auditions sont rarement respectés. Arrivez en avance et échauffez impérativement votre voix, pour ne pas vous blesser. Il est recommandé de conserver une bonne hygiène de vie avant de chanter.Interprétation : entre justesse et personnalitéC'est le moment de vous lancer, vous arrivez sur scène devant le jury. Respirez profondément, imprégnez-vous de l'ambiance, et entrez dans votre personnage.Inutile de commencer à douter : lâchez prise sur les détails insignifiants et concentrez-vous sur ce que vous savez faire, chanter. Si vous connaissez votre morceau et que vous vous êtes bien échauffé, une audition n'est rien de plus qu'un entraînement comme vous en avez pratiqué. Restez précis, notamment sur la justesse des notes, et évitez l'improvisation et les effets trop travaillés.Votre interprétation comporte l'aspect musical, mais également toute votre gestuelle et votre présence. N'hésitez pas à regarder les personnes présentes, à accompagner vos phrasés d'une main naturelle. Articulez suffisamment pour que le public puisse saisir le sens de la chanson. Que faire en cas d'oubli des paroles ou d'erreur ?C'est arrivé aux plus grands : un trou de mémoire, une phrase échangée avec une autre, un décalage sur le tempo. Dans la mesure du possible, il vaut mieux rattraper la chanson et continuer plutôt que de recommencer. Si vous oubliez les paroles, reprenez celles du premier couplet. Si vous êtes en léger décalage, chantez moins fort le temps de vous remettre sur l'accompagnement.L'important est de savoir rebondir et continuer malgré tout. Une erreur sera vite oubliée si vous chantez le reste du morceau avec passion et justesse. Elle peut même passer inaperçue.Débriefing après le concours de chantVous voici de retour dans les loges, le cœur battant la chamade et les mains moites. Félicitez-vous d'avoir été jusqu'au bout ! C'est l'heure d'un retour en arrière sur votre performance. Tenez compte des opinions que le jury vous a éventuellement délivrées, mais également de celles des autres candidats. C'est d'ailleurs en les écoutant chanter que vous identifierez certains points forts à vous approprier. Et, quel que soit le résultat du concours, continuez à vous entraîner régulièrement. C'est la seule façon de devenir un bon chanteur !
0 Comment choisir l'archet de mon violon ? ...
L’archet est l’accessoire essentiel sans lequel le violon n’est rien (et vice versa). Également utilisé pour d’autres instruments à cordes frottées, comme le violoncelle, l’alto ou encore la contrebasse, l’archet est une baguette qui se choisit avec soin – tant au niveau des matériaux utilisés pour sa conception qu’au niveau de sa prise en main. La composition d’un archet de violonL’archet moderne est le fruit du travail d’un archetier français : François Xavier Tourte (1747-1835). Présent dans le monde entier, sa composition reste la même depuis ses origines. Seules les matières peuvent varier… D’apparence simple, sa fabrication nécessite un véritable savoir-faire ! La partie principale de l’archet est composée de la baguette et de la mèche. À la pointe, on oppose la tête à la plaque de tête qui retient les crins de la mèche. À l’extrémité du talon, on trouve le bouton, la poucette et la garniture, avant de retrouver la baguette. En dessous, après le bouton, on retrouve la hausse (sur laquelle se trouve la pastille) et la virole, chargé d’accueillir régulièrement les crins.Les critères liés à l’archet du violonLa baguette d’archetGénéralement, plus l’archet est cher, plus il est confectionné dans des matériaux de qualité. Sur le marché des archetiers et des luthiers, nous pouvons trouver des baguettes en matériaux composites (fibre de verre et fibre de carbone) et en bois (bois du Brésil ou Pernambouc).En matériaux compositesLA FIBRE DE VERREComposées de plastique renforcé par du verre, les baguettes d’archet en fibre de verre se moulent très facilement, ce qui réduit leur coût de fabrication. Elles sont particulièrement adaptées pour les enfants, car elles s’avèrent très résistantes aux chutes et aux abrasions. Sans oublier le prix, très attractif, qui permet de mieux accompagner l’apprentissage de l’enfant, puisqu’avec l’évolution de la taille de son instrument, il devra faire évoluer celle de son archet.Pour les violonistes plus accomplis, ce choix de baguettes est rarement considéré dans la mesure où elles s’avèrent plus lourdes que les autres, tout en offrant un mauvais rebond et une mauvaise réponse par rapport aux autres modèles.LA FIBRE DE CARBONEÀ la fois rigides et légères, les baguettes d’archet en fibre de carbone assurent un excellent ratio résistance / poids. Leur qualité offre des performances nettement supérieures aux baguettes en bois d’entrée de gamme. Le contrôle de leur fabrication permet de prédéterminer, aussi bien leur rigidité, leur équilibre que leur réponse. En boisTraditionnellement, un archet en bois bénéficie d’une meilleure confection qu’une baguette synthétique, même s’il convient de faire très attention à l’essence utilisée : il est vivement recommandé de se limiter au bois du Brésil et au pernambouc, dont les essences sont parentes. LE BOIS DU BRÉSILParmi les espèces de bois du Brésil plébiscitées par les artisans se trouvent l’ipé rose, le massaranduba ou encore le bois rouge. Attention toutefois, certains luthiers ou archetiers peuvent préférer d’autres espèces, réputés plus stables. Pour contrôler l’absence de déviation, il suffit de placer l’archet au niveau de son œil et regarder sur toute la longueur de l’objet - de la hausse et la pointe. PERNAMBOUCPoussant au nord du Brésil, le pernambouc est un bois, à la fois dense et rigide, doté d’une belle couleur rouge. Menacée depuis des siècles par des exportations massives (pour en extraire sa teinture), l’espèce est aujourd’hui protégée, surveillée de près par des associations de luthiers et d’archetiers. La mècheLa mèche est constituée d’environ 80 crins blancs, issus de la queue des chevaux blancs provenant de régions froides, telles que la Sibérie, le Canada ou la Mongolie. En effet, le climat assure la production de crins, à la fois plus épais et plus résistants que dans des milieux tempérés, voire chauds.À noter qu’il est possible de voir des crins foncés, d’apparence plus grossière. Offrant une meilleure accroche sur les cordes épaisses, ils sont utilisés par les contrebassistes.S’il existe des substituts synthétiques, la différence est telle que même les débutants peuvent l’apprécier : à ce jour, rien ne remplace le crin de cheval !La hausseLa hausse correspond à la partie coulissante qui met en tension les crins de la mèche. La matière utilisée influence le prix final de l’archet : elle peut être en plastique, en bois, en métal, en os, en écaille de tortue ou en ivoire de mammouth ou d’éléphant. Majoritairement, elle est réalisée en métal ou en ébène. Le boutonSitué à l’extrémité de l’archet, le bouton – par un mouvement de rotation - assure le réglage de la tension des crins : traditionnellement, il s’agit d’un cylindre de bois d’ébène agrémenté d’une bague d’argent. Avant tout achat, il est vivement conseillé de l’actionner, pour tester si les crins se relâchent et se tendent correctement. Les critères liés au maniement de l’archet du violon Avant de choisir votre archet de violon, il s’agit de déterminer dans quelle catégorie vous vous inscrivez. Pour des archets d’étude, le prix oscille entre 20 et 250 €, tandis que pour des modèles semi-professionnels, cela peut aller de 300 € à 1 000 €.Enfin, au-delà des matériaux utilisés pour sa composition, le violoniste doit pouvoir apprécier l’archet – que ce soit en termes de maniabilité, de son ou de taille. Pour cela, il devra le tester avec son instrument, avant tout achat. La sonorité de l’archetLes essais devront être réalisés sur le même violon pour qu’ils aient une véritable valeur dans l’évaluation de l’archet. Idéalement, il faudrait que le morceau interprété soit également le même. De cette manière, le timbre, les capacités acoustiques de l’instrument, tout comme les mouvements seront identiques : la seule variable sera l’archet testé.Débutant ou violoniste émérite, tout le monde peut appréhender les différences de sons d’un archet à l’autre. La maniabilité de l’archetLe violoniste doit pouvoir apprécier le contrôle et la vitesse de son archet. Or, pour assurer un parfait rapport entre ces deux notions, l’archet doit peser entre 60 et 65 grammes. Plus léger, il privilégie la vitesse ; plus lourd, il privilégie le contrôle.Cette maniabilité est plus difficile à appréhender chez les violonistes débutants, dont le jeu est encore assez limité. Pour eux, mieux vaut s’en remettre aux conseils de leur professeur de violon ou du luthier sollicité. La taille de l’archetL’archet doit être adapté à la taille du violon. Il faut savoir que les instruments vont de 37 à 58 cm de longueur totale. Par exemple, un violon 1/16 (37 cm) est parfait pour des enfants de 3 ou 4 ans. Les adolescents d’environ 12-13 ans pourront jouer sur un violon d’adulte, un violon entier ou 4/4. À noter qu’il existe également un « violon de dame » de taille 7/8 (se situant entre le 3/4 et le 4/4). Pour conclure, le choix d’un archet est très subjectif : il dépend de votre violon et de votre ressenti propre. Si vous devez, évidemment, considérer la dimension « prix », cette donnée n’est pas essentielle et ne peut s’apparenter systématiquement à un gage de qualité. Un modèle à 80 € pourra vous convenir, alors qu’il n’ira pas du tout à un autre violoniste… Ici, tout est affaire de confort, de qualité de jeu et de son, des éléments directement connectés à votre expérience de violoniste et à votre oreille.
0 Piano : 10 morceaux faciles à jouer pour les débutants ...
Pour progresser au piano, le plus simple est de commencer par imiter ses prédécesseurs. Voici 10 morceaux faciles à jouer pour les apprentis pianistes. Imagine – John Lennon (1971)La chanson phare de John Lennon fait partie des indispensables du répertoire de tout pianiste. Rythme lent, accords classiques, mains faciles à coordonner : la ballade pop ultime est aussi simple à jouer que belle à écouter. La lettre à Elise - Beethoven (1810)Le classique absolu du piano. Les pianistes ne sachant pas jouer la Lettre à Elise se comptent sur les doigts de la main. Le morceau n’est pas évident à reprendre entièrement, mais la première partie (la plus connue) est nettement plus simple que les suivantes. Cette mélodie est parfaite pour développer votre sensibilité en raison des nombreuses nuances à apporter pour la rendre plus vivante. Dream on - Aerosmith (1973)Le piano joue un rôle essentiellement rythmique sur ce morceau, les deux mains se complètent naturellement et le tempo est raisonnable : pas de difficulté notable. Vous pouvez attaquer ce standard du rock très tôt dans votre apprentissage. Comptine d’un autre été – Yann Tiersen (2001)La musique culte du Fabuleux destin d’Amélie Poulain est sans doute compliquée pour les tout débutants, mais reste tout de même assez vite abordable. L’essentiel de la difficulté réside, comme souvent au piano, dans l’indépendance des deux mains. Cependant la partie jouée par la main gauche est la même tout au long du morceau, ce qui vous laissera l’opportunité de vous concentrer sur la main droite pour jouer la mélodie. Breakfast in America - Supertramp (1979)Les deux mains ne jouent ici que des plans rythmiques très simples et il n’y a pas de difficulté technique particulière, bien au contraire. Le tout sera de mettre les accents aux bons endroits afin de retranscrire le feeling du morceau originel. Angie – The Rolling Stones (1973)Travailler cette chanson permet de rompre la monotonie : alors que les morceaux les plus faciles à jouer consistent souvent en la répétition d’un motif, sa partie de piano est assez variée et suit une évolution tout au long de la musique. Le challenge n’est pas spécialement technique mais apprendre à jouer Angie devrait bien vous occuper. Someone like you - Adele (2011)Des arpèges par séries de 3 notes, de longs accords… il est difficile de faire plus simple. Le piano, très sobre, est avant tout là pour accompagner la voix d’Adele, ce qui ne vous empêche pas de vous entraîner à le reproduire. Back to black – Amy Winehouse (2006)La singularité de la partie de piano tient dans l’utilisation des mains. Alors que vous êtes habitué à jouer le rythme avec la main gauche et la mélodie avec la droite, vous aurez ici à faire l’inverse. Mis à part cela, rien de bien déroutant. Halloween Theme – John Carpenter (1978)Voilà de quoi égayer vos longues soirées d’hiver. La musique associe une mélodie répétitive et de longs accords au son très lourd. En somme très simple à reproduire, mais il faudra un travail d’interprétation pour retranscrire cette ambiance oppressante. Hold the line – Toto (1978)Techniquement, Hold the line est assez facile et le positionnement des doigts ne devrait pas vous poser problème. L'enchaînement des accords vous paraît peut-être difficile, mais vous y arriverez si vous prenez le temps de les travailler un par un . En vérité, le défi tient surtout dans la vitesse d’exécution, notamment au niveau de la main droite qui doit jouer à un rythme soutenu. Etudiez ce morceau pour améliorer votre vélocité et votre endurance. Une pratique assidue est essentielle pour progresser, mais rien ne remplace des cours de piano. Trouvez le professeur qu'il vous faut et lancez-vous ! Pour en savoir plus sur la musique et ses bienfaits, nous vous invitons à télécharger notre livre blanc !
